Críticas de Cine Reviews

José Mari Goenaga, Jon Garaño – Loreak (2014) | Zinemaldi 2014

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Loreak es una de esas películas que crecen dentro de uno con el tiempo. Su minimalismo argumental logrará engañarnos hasta que entendamos que la sencillez es sólo una apariencia.

Por primera vez una película rodada integramente en euskera forma parte de la sección oficial del Zinemaldi de Donosti, y lo hace representando a su tierra magistralmente, no tanto por el idioma sino por unos personajes en los que como vasco es insólitamente fácil reconocerse. Las acciones dramáticas quedan contenidas en diálogos breves en escenas llenas de una luz verdosa que se densa por el peso rotundo de la soledad. Esa luz que sólo se encuentra en el norte es la que envuelve esta historia de arrepentimiento y búsqueda de culpables. Loreak nos enseña a aceptar el hecho de la falta natural de responsabilidad.

“Sólo son flores.”

Los ramos de flores crean un diálogo silencioso entre personajes que discretos aceptan pero no muestran la necesidad de cariño que sus emocionalmente humildes vidas requieren. Estas flores son un símbolo de redención, de cariño y de recuerdo. No se les puede negar a sus directores la virtud de mostrar un mundo interno que sale de la conciencia misma de sus personajes. Como ya hicieron con 80 Egunean (2010), el desarrollo personal vuelve a no entender de edades y revela a los protagonistas de estas historias cruzadas los límites de su dolor y las formas de sobrellevarlo en una situación de soledad autoimpuesta.

Lejos de la dramatización visual, Loreak consigue el reto contar una historia humana apoyándose en la moderación de sus muestras afectivas. Una película en la que encontrarse y una lección para aprender del frío.

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Juanfer Andrés y Esteban Roel – Musarañas (2014) | Festival de Sitges 2014

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Todos los ojos estaban puestos en la producción, qué fenómeno tan extraño. Alex de la Iglesia presenta esta película de los directores Juanfer Andrés y Esteban Roel, que en su debut como largometrajistas cuentan una historia de esas que tanto gustan a su productor, llena de humor negro desarrollado de puertas para adentro.

Cuatro son las interpretaciones principales de esta historia de familia y violencia, compuestas por un casting muy reconocible, con Hugo Silva en un discreto papel de hombre apuesto, Luis Tosar cargando la atmósfera con unas pequeñas pero intensas apariciones, Nadia de Santiago, tan dulce como se podía esperar, y Macarena Gómez, aplaudida por cargar de manera notable con el peso de esta película que contagiada por la agorafobia de su personaje consigue contar una historia compacta y llena de tensión en un espacio muy contenido. Se echaba de menos un villano con el que empatizar, y no sólo esta cualidad la traen los directores desde el guión. Fuera de la historia, todos los matices que Macarena aporta ayudan a que sintamos la causa y efecto de sus despiadadas acciones con naturalidad. Un papel que la sitúa entre una de las mejores actrices de la tragicomedia española.
Tenemos pues lo que bien podría haber sido un relato de De la Iglesia con presupuesto reducido, que cierra la historia dejándonos satisfechos y con las pulsaciones altas.

Jaume Balagueró – [REC]4 Apocalipsis (2014) | Festival de Sitges 2014

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La nueva entrega de la saga inauguró el festival. Un ansia de terror todavía sin consumir hizo que disfrutáramos de los momentos de sangre como si hubieran sido los primeros, aunque toda la energía que traíamos no pudo con las actuaciones impostadas de alguno de sus protagonistas, que hacen perder toda la credibilidad de esta historia que si se cede más, se rompe.

Manuela Velasco vuelve al papel protagonista que ya conocíamos de la primera entrega, más segura que nunca y paseando sus ganas de venganza por el barco que servirá de escenario para el nuevo ataque zombie. La película da un paso atrás en la frescura de la fórmula que presentó en su brillante primera pieza allá por el 2007. Cuando parece que estamos a punto de entender algo -porque 7 años de maduración de la trama han dado para crear un hilo conductor lo bastante sólido-, el sentido se pierde entre ruidosas escenas de acción, que tienen más de estresantes que de terroríficas, salpicadas por algún chorro de sangre que agradecemos por inesperado.

Cuatro películas dan ya para crear un código que nos advierte de lo que vamos a ver, y en efecto, REC 4 no era ni más ni menos de lo que nos esperábamos, y eso lo sabemos desde la segunda entrega. En definitiva, un buen rato para los fans de la saga que no pretendan encontrar respuesta a demasiadas preguntas.

Christian Petzold – Phoenix (2014) | Zinemaldia 2014

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Phoenix es un relato sobre reconstrucción de la propia identidad ambientada en la Alemania de posguerra. La nueva película de Christian Petzold ha vuelto a causar nuevas reacciones de amor y odio tras su paso por Toronto. Hay quienes defienden en Phoenix su estilo sobrio y tradicionalmente alemán, y ese final que parece contentar a quienes han conseguido conectar con una historia aparentemente cruda que desde el otro lado de la pantalla carece de sentido alguno. Entre sus detractores, aquellos que al parecer padecemos de un grave agnosticismo que nos impide disfrutar del cine y sus licencias.

Nelly Lenz vuelve de Auswitch con la cara desfigurada. Los horrores de la guerra la han marcado por fuera y por dentro y es el momento de reencontrarse con la persona que un día fue y luchará por volver a ser. Un rostro nuevo la lleva a un proceso de reaceptación de su persona y la vida que dejó atrás. En Berlín, Nelly encuentra a su marido, y aquí comienza el drama real, tanto para la protagonista como para nosotros, amantes de la lógica estricta. Su marido es incapaz de reconocerla, ya no sólo en la confusión de la noche sino en las distancias cortas. Juntos llevan a cabo un proceso de reconstrucción por parte de ella y recreación por parte de él que escapa de todo lo argumentalmente lógico. ¿Cómo es posible que la evidencia pase de largo? Petzold argumenta una conducta que se apoya en una condición psicológica que impide a las personas que sufren de culpa ver la realidad y a formar una nueva memoria que favorezca el perdón de uno mismo. Demos esto por válido, y ahora juzguemos si el personaje de Nina Hoss no se lleva entonces demasiada atención en sus matices, dejando la reacción post-traumática de su marido en un segundo plano, a pesar de ser algo que sin duda haya marcado la psicología alemana de posguerra. Según declaraciones del director Christian Petzold, el guión -adaptación libre del libro Le Retour des cendres (1961) y escrito por él mismo- no estuvo completamente cerrado antes del rodaje, sino que llegó a concluirse en los ensayos con la participación del equipo, pero a Phoenix se le ven las costuras aún con el guión acabado. No nos es suficiente con una Nina Hoss maquillada por dentro cuando tiene a su lado Ronald Zehrfeid plano. La perspectiva de esta historia está en los ojos de la protagonista, y demasiado dentro de la mente del director.

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Con un marco ambiental recreado a medias perfectamente sustituible por otro escenario de víctimas del odio, un desarrollo que desespera y un director que aporta explicaciones lánguidas a una película que pretende reflejar las profundidades de la mente, sentimos la falta de sensibilidad hacia la fantasía privada. O quizás nunca tuvimos fe.

 

Ari Folman – The Congress (2013) | Sección Oficial FANT 2014

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Tras el éxito de Vals con Bashir, el director israelí Ari Folman vuelve esta vez con una ciencia ficción pura en la que integra animación e imagen real a partes iguales. En ella, la actriz protagonista Robin Wright se interpreta a ella misma como una vieja gloria de la industria hollywoodiense que está a punto de firmar el último contrato de su vida, a través del cual su imagen digitalizada pasará a ser propiedad de unos estudios cinematográficos que podrán explotar su reproducción sin necesitad de su presencia.

El director, que durante los últimos cinco años ha estado trabajando en la adaptación de la novela de Stanislaw Lem ‘El congreso de futurología’ en la que se basa la historia, nos muestra en primer lugar una crítica al sistema de la industria del cine como la conocemos. Lo fantástico de este avance en la profesión y negocio de la interpretación, queda cada vez más cerca de la realidad en la llamada “Era post Avatar” que vivimos. Quizás por esto, el hecho de representar una segunda dimensión fantástica en la película con una animación en 2D sea una crítica a la industria de la animación digital de la que los últimos años el cine se ha estado sobrealimentando para dar paso a una ficción que va más allá de la simulación primera que la cinematográfía tiene como base, pero que independientemente de sus connotaciones se convierte en una opción estética sobresaliente para la narración.

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